Teatro en Tránsito y Grumelot.03
estrenan
Have I None, de Edward Bond
Obra patrocinada por la Comunidad de Madrid y el Gobierno de Canarias
Una obra futurista, divertida y aterradora sobre los instrumentos de control de nuestras sociedades y los que las gobiernan con un poder que podría convertirse en absoluto.
Una sociedad apática en la que el consumo ha domesticado a la razón. Un futuro donde el pensamiento y la memoria han sido prohibidos…
Índice
Teatro en Tránsito
Otro no tengo / Have I None, por primera vez en castellano
Palabras del director
Reparto
Sobre el autor: Edward Bond, un Shakespeare moderno
Contexto. Bond y Brecht
Sinopsis
Sobre la obra
El teatro de Edward Bond
Biografías
Equipo artístico
· Carlos Aladro: director
· Federico Aladro: productor
· Jose Padilla: traductor
· Almudena López Villalba: escenógrafa
· Yaiza Pinillos: figurinista
· José Manuel Guerra: iluminador
· Cecilia H. Molano: vídeo
· Ángel Galán: música y espacio sonoro
· Simon Breden: ayte de dirección
Reparto
· Carlota Gaviño es Sara en Have I None
· Javier Lara es Jam
· Íñigo Rodríguez-Claro es Grit
Contactos e Información práctica
Teatro en Tránsito. Una joven compañía independiente formada por profesionales del teatro
Teatro en Tránsito es el nombre con el que Carlos y Federico Aladro han bautizado un proyecto que aspira a ser el primer peldaño en la creación de una compañía de teatro independiente con vocación de servicio público, y para el que han reunido a un grupo de profesionales jóvenes de reconocida y dilatada trayectoria en el teatro madrileño.
A partir de una concepción del teatro como bien cultural, como lugar de encuentro, Teatro en Tránsito pretende abordar la puesta en escena de obras y textos del repertorio universal, y ponerlas al alcance de los ciudadanos. Aunando la experiencia de creación y gestión en el teatro institucional e independiente, los conocimientos técnico-artísticos, la concepción eminentemente lúdica del hecho escénico y el compromiso de un cualificado grupo de profesionales, pretendemos generar espectáculos con aspiración de llegar a la mente, los corazones y los cuerpos de los espectadores.
Desde una visión y una sensibilidad contemporánea, queremos encontrar los puentes de comunicación con el legado literario-dramático de todos los tiempos, a través de la creación de puestas en escena actuales en el sentir y en el hacer, y que al mismo tiempo nos transporten a los propios orígenes de los textos, poniéndonos en comunicación con la historia, con nuestra herencia artística, cultural y sentimental. Disfrutando del tránsito entre el pasado y el futuro, de la experiencia única e irrepetible del teatro en presente.
Su debut: El cuerdo loco, un ejercicio de cuerda locura, presente, con éxito, en los festivales más importantes y reconocidas plazas
Para su debut, Teatro en Tránsito llevó a escena El cuerdo loco, un texto de Lope de Vega apenas conocido del que no se tienen noticias de que haya sido representado alguna vez. Un texto perfecto por sus características para ofrecer un trabajo de investigación actoral inusual en el Teatro Clásico español, con un esquema de personajes que se salía del modelo al uso, y donde tanto los personajes masculinos como femeninos se mostraban excesivos en su conducta, adentrando al espectador en el universo propio de la tragedia renacentista, y formalmente muy cercano a las tragedias inglesas post-isabelinas. Un ejercicio de cuerda locura en la recuperación de esta pieza poco conocida de Lope de Vega, llena de fascinantes desafíos artísticos y de mensajes y situaciones que, de nuevo y como siempre, los clásicos nos devuelven como plenamente actuales.
El cuerdo loco, con un reparto de lujo encabezado por Israel Elejalde, Beatriz Segura, Manuela Paso, Juan Ribó y Chema Ruiz, Álex García, Quique Fernández, Emilio Gómez y Toni Márquez, se estrenó en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares, dentro del Festival Clásicos en Alcalá, el 18 y 19 de junio de 2008. También se pudo disfrutar en la Iglesia de las Bernardas el 30 de junio y el 1 de julio, dentro del Festival de Almagro; en la Corrala Palacio del Caballero, dentro del Festival de Olmedo, el 24 de julio; el 17 de enero de 2009 en el Teatro Federico García Lorca, de San Fernando de Henares; en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes, del 4 de febrero al 8 de febrero; en el Teatro Palacio Valdés de Avilés, el 13 de febrero, y en el Teatro Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes, el 15 de febrero.
15 funciones donde hemos dado a conocer al espectador una obra olvidada de Lope de Vega y en la que hemos pretendido hacer disfrutar al espectador de la manera que sabemos: haciendo teatro arriesgado y de calidad.
El siguiente peldaño que queremos subir es llevar a escena Have I None, de Edward Bond, un autor desafortunadamente desconocido en España y una obra enriquecedora que habla del presente más inmediato desde una rotunda lucidez. Y deseamos hacerlo en colaboración con la compañía Grumelot, un grupo de jóvenes e inquietos creadores, aunando fuerzas y talentos.
Otro no tengo / Have I None, nunca antes traducida al castellano y solamente representada una vez en catalán
Edward Bond es el dramaturgo vivo más importante de la segunda mitad de nuestro siglo XX y paradójicamente un autor desconocido en España y apenas traducido al castellano. Solamente se conocen las versiones catalanas de sus obras Lear, llevada a la escena en el Teatre Lliure, en una producción dirigida por Carme Portacelli y protagonizada por Lluís Homar en septiembre de 2003; y No en tinc (la versión catalana de Have I None), dirigida en marzo de 2003 por Jorge Raedó en la Sala Nou Tantarantana de Barcelona. La obra Saved, una de las más emblemáticas del autor, llegó a España con 35 años de retraso, dirigida por Josep Maria Mestres para la compañía Zitzània, y se pudo ver en el Teatre Lliure en 1998. Tampoco sus obras y ensayos han sido apenas traducidos. Existe una publicación en catalán de la obra Estiu (Summer) y solamente en castellano Angosto camino hacia el profundo norte; misa negra; pasión, traducida del inglés por Carla Matteini.
Incluso en nuestro país vecino, Luis Miguel Cintra estrenó en Lisboa The War Plays -la trilogía de la guerra en dos partes- poco después de su estreno en Londres en 1985; también A Prisão (Saved); y A Cadeira (Chair).
Ésta será la primera vez que Have I None sea traducida al castellano y representada en nuestro país en lengua castellana, en una obra de gran interés y actualidad que no dejará indemne al espectador.
Un cuento terrible para tiempos de crisis
Si en el primer trayecto de Teatro en Tránsito decidimos viajar de la mano de Lope de Vega para hablar de la locura de nuestros días con la mirada de nuestros clásicos, en este segundo viaje queremos dialogar con nuestros contemporáneos desde la lucidísima y desconocida mano de uno de los más influyentes y profundos autores de nuestros días: Edward Bond, apenas representado en España.
Y lo hacemos, en colaboración con la compañía Grumelot, formada por un destacado grupo de jóvenes e inquietos creadores, apostando por ofrecer de nuevo al público una mirada diferente sobre nuestro teatro y nuestra realidad.
En un mundo convulsionado por esa gran metáfora de la codicia que se llama crisis, nos parece que la mejor manera de contribuir al bienestar de nuestros conciudadanos, desde nuestra más que humilde posición, es compartiendo con ellos esta terrible y fascinante historia de Sara, Jam y Grit. Como si de un aviso para navegantes se tratase, Bond nos confronta, y escribe Have I None hace apenas 9 años, con este futuro 2077, en el que la humanidad se ha despojado precisamente de eso, de su humanidad, para sobrevivir en un mundo regido por los perros de la guerra y el materialismo consumista.
Como ya se ha dicho, el teatro es un arte político, en el más elevado sentido del término político, aquel que sirve para el concurso público de unos valores éticos que nos acreditarían, llegado el caso, como verdaderos seres humanos, más allá de ideologías, religiones y demás modos de alienación.
Carlos Aladro, enero 2009.
Grit.- Desátame.
Jam.- Las Autoridades hicieron bien aboliendo el pasado. Los vídeos, los cds, los pcs, las marcas, las fiestas, las punto.com… la gente estaba harta de todo. Estrellar coches nuevos contra las paredes era un hobby más. ¿A qué se dedica la gente cuando tiene de todo? Llega un día en que te vienen a suplicar para que te lo lleves. Quieren… paz.
Have I None, Escena 3. Edward Bond.
REPARTO
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Sara
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Carlota Gaviño
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Jams
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Javier Lara
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Grit
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Íñigo Rodríguez
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Otro
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Ángel Galán
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EQUIPO ARTÍSTICO
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Dirección
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Carlos Aladro
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Traducción
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Carlos Aladro y Jose Padilla
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Escenografía
Vestuario
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Almudena López Villalba
Yaiza Pinillos
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Iluminación
Música y Espacio Sonoro
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José Manuel Guerra
Ángel Galán
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Vídeo
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Cecilia H. Molano
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Dirección de producción
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Federico Aladro
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Ayudante de Producción
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Yaiza Pinillos
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Ayte. de dirección
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Simon Breden
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Comunicación y Prensa
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Alexis Fernández
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Fotografía
Diseño Gráfico
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Julián Villanueva
Sol Cuesta
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Duración: 1 h. y 15 min. aprox.
Edward Bond: “un Shakespeare contemporáneo”
Edward Bond: “un Shakespeare contemporáneo”
Su éxito en Europa, especialmente en Francia y Alemania, es incomparable, donde se ha convertido casi en un mito y en el dramaturgo vivo más importante de la segunda mitad de nuestro siglo XX. La Comédie Française le considera “el más importante teórico del drama desde Brecht”, y algunos directores, como Geoff Gillham, le han calificado como “el Shakespeare contemporáneo”. Pero nadie es profeta en su tierra, y Edward Bond no iba a ser menos. Actualmente es una de las figuras más controvertidas de la escena inglesa, donde sus obras ─la mayoría teatro político y con un gran interés social─ han sido prácticamente marginadas. De hecho él mismo se ha erigido como enemigo acérrimo del establishment británico y denosta continuamente al teatro institucional. “La escena inglesa está amenazada por un proceso de homogeneización muy peligroso. Incluso cuando encuentro talentos que admiro los considero rodeados de personas que trivializan su trabajo”, dice.
Y es que Edward Bond es conocido por la provocación de sus ideas y la ruptura de reglas dramáticas en sus obras. Ha desempeñado un papel fundamental en la lucha contra la censura en el teatro. La presentación de sus obras tiende a intentar infundir nuevos y provocativos modos de atraer al público, más allá del puro divertimento. Pero desde luego, si algo indudable se puede decir de Bond es que es un escritor con variados intereses, desde su diálogo constante con Shakespeare hasta el Japón del periodo Edo (s. XVII y XVIII). Ha desempeñado el papel de intelectual capaz de denunciar todos los excesos e injusticias y ha sido uno de los pocos que ha pretendido enfrentarse, en el sentido más goethiano de la palabra, al problema del mal que está en la base de los grandes interrogantes que atenazan a nuestra sociedad: la locura del poder, la tendencia humana a la injusticia y al crimen, la explotación del hombre por el hombre.
Nacido el 18 de julio de 1934 en el seno de una familia obrera de Holloway, al norte de Londres, dejó sus estudios a los 15 años y comenzó a trabajar en fábricas y oficinas. Durante la II Guerra Mundial fue evacuado y tuvo que refugiarse en el campo, de ahí que la violencia y el terror sean constantes de sus obras, que hablan inteligentemente de la represión ejercida contra aquellos que no comparten el dogma del sistema.
Su primera obra, The Pope’s Wedding, se estrenó en 1962 en el Royal Court de Londres, sin decorado y con gran expectación. La segunda, Saved (1965), causó gran controversia, dividiendo a la opinión pública entre los que pensaban que era un mero provocador social y aquellos que creían que era un profundo pensador sobre la condición humana. Saved no tuvo apenas difusión en los circuitos teatrales ingleses, ya que el autor se negó a alterar su obra de acuerdo al comité censor, al que le resultó “violenta e indecorosa” (en el clímax de la pieza, un grupo de jóvenes aburridos dilapida a un bebé en su cochecito hasta que acaba con su vida). El Royal Court y Laurence Olivier, entonces director artístico del Teatro Nacional, apoyaron su causa, que ganó posteriormente y que contribuyó a que en 1968 se aboliera la censura (de hecho en los años 60, se estrenaron 45 producciones teatrales de Saved en 12 países distintos).
Así pues, pudo estrenar su siguiente obra, Early Morning, con la que nuevamente provocaría, esta vez, a la monarquía, pues narraba la relación lésbica entre Florence Nightingale y la Reina Victoria, que acababa estrangulando con una liga a su marido, Albert. Después de esta obra vendrían Narrow Road to the Deep North (1968) ─una paráfrasis de la obra fundamental de Basho (Sendas de Oku), el maestro del haiku─ convertida en sátira sobre el imperio británico, y la primera obra con una estructura abiertamente simbólica narrada en los siglos XVII y XVIII en Japón. En ella presenta de una forma simplista la posibilidad de una vida no violenta después de la liberación; Black Mass (1970), que recordaba la masacre de Sharpeville y Passion (1971), que condenaba la guerra, la lucha de los soldados, los líderes que la instigan y al público que lo permite.
En 1971 escribió Lear, una adaptación sobre la obra shakesperiana El Rey Lear, donde mostraba como estables y extraordinariamente sólidas las estructuras del poder y en las que el individuo debía participar emancipándose de su cautiverio para lograr la verdadera humanidad. Más tarde escribiría dos obras que reflexionaban sobre el lugar del artista en la sociedad, Bingo (1973), donde Shakespeare se suicidaba desesperado por su fracaso moral y sus compromisos sociales, y The Fool (1975), que mostraba al poeta John Clare volviéndose loco debido a la violencia de su clase enemiga.
En 1974 traduciría Spring Awakening, la radical obra sobre la supresión de la sexualidad en la adolescencia, escrita en 1891 por Frank Wedekind. Bond fue el primero en traducirla de forma fiel al texto, incluyendo las controvertidas escenas del original. Desde mediados de los 70 contribuye con prefacios en prosa a sus obras, que se hacen más radicales en esos años, como The Worlds (1979), sobre disturbios industriales y terrorismo; y Human Cannon (1985), una obra sobre la Guerra Civil española. Otras obras: Stone (1976); A-A-America (1976), sobre la violencia racista en los EEUU; The Woman (1978); The Bundle (1978); Summer (1981); Restoration (1981); Derek (1982); Jackets (1989). In the Company of Men (1992); At the Inland Sea (1995); Coffee (1996); Eleven Vests (1997); The Crime of the 21st Century (2000), una cruda parábola en un paisaje futurista como el de Matrix; The Children (2000)…
En 1976 colaboró con el compositor alemán Hans Werner Henze en la ópera We Come to the River, y en 1982 en The English Cat. Edward Bond ha escrito para televisión Olly's Prison (BBC, 1993),producida en colaboración con The Berliner Ensemble y American Repertory Theatre, y Tuesday (BBC Schools, 1993); y para radio: Chair (BBC Radio 4, 2000) y Existence (2002).
Es autor de más de 30 obras de teatro, numerosos guiones de televisión (trabajó con Antonioni en Blow up, deseos de una mañana de verano, 1992, y realizó el guión de Walkabout, 1971, Risa en la oscuridad, sobre una obra de Nabokov; El rebelde Michael Kohlhaas (1969); un guión para ballet y distintos volúmenes de poesía y teatro (The Hidden Plots, en 1999).
Con su penetrante acuidad política, Bond examina en todas sus obras las contradicciones de la sociedad occidental y el exceso de autoritarismo que las caracteriza. Su primer trabajo presentado en Avignon, un festival en el que se han representado algunas de sus piezas, fue Early Morning, dirigido en 1970 por Georges Wilson.
Alexis Fernández
Contexto. Edward Bond y Brecht
1956 fue el año clave en la escena teatral británica, año en que Bertolt Brecht irrumpió en los escenarios londinenses. La confluencia de tres corrientes nuevas, el teatro épico de Brecht, junto con los Angry Young Men, y el teatro del absurdo, produce un ambiente muy propicio y una generación de jóvenes autores británicos con impulsos para innovar y en busca de nuevas ideas y formas teatrales. Entre ellos, Edward Bond.
No se puede decir que Edward Bond pertenezca a una corriente particular del teatro, aunque sí se aprecian influencias de Brecht y Artaud, vestigios del teatro popular inglés y de Shakespeare, que ha admirado desde siempre (Lear y Bingo aluden al autor inglés), y alguna relación con el movimiento de 1968 (al que han pertenecido Trevor Griffiths, John Mcgrath, Howard Brenton, David Hare y David Edgar) en cuanto al predominio de temas políticos, un planteamiento de izquierda radical, y la búsqueda de formas dramáticas nuevas.
Edward Bond comparte con Bertolt Brecht su rechazo al naturalismo y la aceptación del teatro épico, la concepción didáctica del teatro, el interés por la ciencia, el empleo de puestas en escena minimalistas, el efecto de distanciamiento, basado en la no identificación actor-personaje, el empleo del soliloquio, la recuperación del personaje del narrador, el empleo de la parábola, una dura crítica social y política, el empleo de grupos sociales. Aunque a diferencia de Brecht, Bond no da lecciones, plantea situaciones que el espectador debe resolver utilizando la razón y la imaginación. Es el público el que ha de entender por qué ocurre lo que ocurre en escena.
Bond ha influido en la nueva generación de jóvenes autores ingleses, como Mark Ravenhill y Sarah Kane, a la que admira especialmente.
Lo que más le interesa es el público joven, a quien van dirigidas la mayoría de sus obras, dramas para jóvenes. Edward Bond también desarrolla un gran trabajo con jóvenes a través del Theatre in Education Companies (TIE).
A. F.
Otro no tengo / Have I None. Sinopsis
Bienvenidos a un posible 18 de julio (curiosamente la fecha de cumpleaños de Edward Bond) de 2077, donde cualquier sesgo de individualidad ha sido borrado de lo cotidiano: se viste igual, se actúa igual y el pensamiento único ha tocado techo. Estamos en un austero piso habitado por una pareja, Sara y Jams. Una amenaza confusa está en el exterior: Sara escucha cómo llaman a la puerta cada cierto tiempo, pero cuando acude a abrirla no hay nadie al otro lado. Su marido Jams, que pertenece a una patrulla de reconocimiento, llega a casa. No cree a su mujer: ella cuenta que el persistente golpeteo en la puerta lleva sonando semanas enteras. Hasta que un día, la amenaza cobra cuerpo en forma de caos: un extraño, Grit, aparece para hablar con Sara. Viene del norte, lejos, a pie, afirma que no pudo conseguir un salvoconducto para viajar en algún medio de transporte porque el personal de la oficina que se lo debía proporcionar estaba suicidándose en masa, tirándose desde los tejados de los edificios. Grit ha hecho semejante viaje después de encontrar una fotografía en la que aparecen él y la que él dice ser su hermana: Sara. Jams sospecha: cómo es posible que ese extraño tenga la fotografía si toda forma de papel, incluido el fotográfico, fue destruido cuando se prohibió el pasado. Sara niega con horror que Grit sea su hermano…
¿Cómo harán Sara y Jams para poner fin a la pesadilla que la presencia de Grit representa en sus ordenadas vidas? ¿O son ellos mismos la pesadilla?
Jose Padilla
Otro no tengo / Have I None: ¿Una distopía futurista?,
¿un presente distópico?
Con una mezcla de diferentes estilos de escritura dramática que van desde la tragedia griega hasta la sátira y la farsa, Edward Bond muestra, a través de esta obra tan didáctica como divertida y aterradora, cómo podemos caer en lo mismo si no estamos alerta. Have I None es, pues, una obra a tres en un escenario desolado, una parábola futurista que advierte sobre los instrumentos de control de nuestras sociedades y los que las gobiernan con un poder que podría convertirse en absoluto. Una sociedad apática en la que el consumo ha domesticado a la razón. Un futuro donde el pensamiento y la memoria han sido prohibidos. La deshumanización, el control absoluto sobre las acciones de los hombres, el totalitarismo, son puestos sobre el escenario.
Escrita en el año 2000, y con claras raíces en novelas como Farenheit 451, de Ray Bradbury, Un mundo feliz, de Aldous Huxley o 1984, de George Orwell, Have I None habla del declive de los valores morales en un mundo que puede ser el de nuestro futuro próximo, en el que el hombre no puede contemplar su pasado ni tener recuerdos, y donde el comportamiento humano está reglado. En esa falsa ilusión de felicidad creada, el exterior es un elemento que puede perturbar la paz interior, un rasgo que Harold Pinter apuntaba bien en El portero (1984).
Distopía futurista, pesadilla claustrofóbica, Have I None retrata un mundo psicótico y gris sin pasado y sin identidad. Un paisaje post apocalíptico, una humanidad en ruinas a la que se le ha hecho una lobotomía general que difícilmente se puede eludir. La obra, de gran atractivo, obliga al espectador a realizar un ejercicio inusual ─reconstruir el fondo de la trama o reinterpretarlo, tomando en cuenta el testimonio del presente más inmediato─, y plantea muchas preguntas, pero deliberadamente no aporta ninguna respuesta. En manos de Bond, el porvenir termina siendo un recurso dramático más para hablar del presente. Un más que probable presente distópico.
¿Alguna vez conoceremos este mundo donde las autoridades arrebatan nuestro pasado, nuestros recuerdos más secretos, abandonándonos en un antiséptico y utilitarista universo tan similar al apartamento de Jams y Sara en el que nada más que una mesa y dos sillas lo presiden?
Tal vez Have I None sea un extraño juego de palabras o quizá sea el público mismo el que deba reflexionar acerca de su realidad con sus propios recursos y juicios. Tal vez sólo el tiempo realmente hablará… o ya está hablando.
"Para cambiar la sociedad desde el escenario hay que reflejar el mundo tal cual es, para después deformarlo y mostrar la imagen concebida.”
(Edward Bond)
A. F./ J. P.
La experiencia del teatro en Bond: despertar lo humano
“Si el público no puede crear, el teatro no puede crear”... (Edward Bond)
Su primera experiencia catártica con el teatro tuvo lugar a los 14 años, cuando vio Macbeth. Comprendió que Shakespeare le estaba hablando de su propia vida. “Alguien me estaba diciendo qué significaba ser yo mismo”…
“La violencia se encuentra oculta en las sociedades democráticas porque no son realmente democráticas. El arte es un diagnóstico fiel de la realidad, y por eso pongo sobre la escena únicamente cosas que conozco y que están ocurriendo en nuestras sociedades. No estoy interesado en un mundo imaginario, sino en el real. No me interesa la violencia por la violencia, porque la violencia no es una solución en mis obras, del mismo modo que la violencia no es una solución para la humanidad, es el problema que hay que tratar y afrontar. La violencia obsesiona a nuestra sociedad y si no dejamos de ser violentos no tendremos futuro. Sería inmoral no hablar de ello”, explica. A diferencia de Shakespeare, Bond no considera que el hombre sea violento intrínsecamente, sino que la violencia es una consecuencia de la alienación humana. Bond comparte el criterio marxista de considerar al capitalismo como la raíz nefasta de la división social. De ahí que su principal preocupación estribe en despertar la idea de humanidad en el público y redefinir nuestra posición como seres humanos en el mundo. “El teatro nos permite recrear el mundo y ejercitar nuestro juicio sobre él”, afirma. Por eso en sus obras conduce al espectador a las peores situaciones, porque lo más horrible, y eso lo vemos cada día, puede ocurrir en un ambiente cotidiano.“El límite del universo puede encontrarse en la mesa de una cocina. Tienes que servirte de todo el universo para comprender qué significa ser un ser humano”.
Bond, que según él mismo cuenta, escribe obras no para hacer dinero, sino como modo de racionalizar el mundo, asevera de forma categórica que nos hallamos ante un dilema aterrador. “Nuestro instinto natural tiene que ver con nacer, hacer el amor y morir. La economía ordena, consume, destruye. Estos dos parámetros colisionan y provocan una ruptura en la sociedad. De esta manera, la sociedad se encuentra cada vez más desorientada y se vuelve más destructiva”, explica. “La humanidad se ha convertido en una mercancía”. Por eso es fundamental recrear en escena qué significa ser humano… “El ocio y el entretenimiento como se entienden actualmente nos sumergen en la ‘cultura de la muerte’”, cuenta el controvertido autor inglés, un escenario que aniquila las capacidades imaginativas y racionales del ser humano. “La imaginación y la razón son los instrumentos que podrían servir para salir de esta situación”, añade. Bond, pues, cree que es preciso crear una nueva cultura que nos indique en qué consiste ser un ser humano. Su convencimiento radica en que para hacerlo se necesita un nuevo teatro. “Todo lo que un ser humano persigue hoy es conseguir sus propias metas dentro de la sociedad; en lugar de formar una comunidad, se fuerza al individuo a perseguir sus propios objetivos. A esto se le llama competitividad, individualismo, y es contrario a ese renacimiento de la cultura”, reflexiona.
A. F.
Carlos Aladro es el director de Otro no tengo
De familia proveniente del mundo de las letras —su padre, Carlos Luis Aladro fue Premio Nacional de Teatro Infantil, y su madre, Julia Arroyo, periodista y crítico de teatro— es Licenciado en Interpretación y Dirección de Escena por la RESAD, donde fue becado para estudiar en el Reino Unido, además de realizar numerosos cursos y seminarios.
En la actualidad es Coordinador artístico del Corral de Comedias de Alcalá de Henares, cuya gestión depende del Teatro de La Abadía, donde ha dirigido Garcilaso, el cortesano, espectáculo galardonado con el Premio José Luis Alonso 2004 al mejor director joven concedido por la ADE; Terrorismo, de los Hermanos Presnyakov, estrenada en 2006, La Ilusión de Corneille, en versión de Tony Kushner, espectáculo finalista a la Mejor Dirección en los premios ADE 2007, y Medida por medida, de Shakespeare.
Ha creado su propia compañía, Teatro en Tránsito, con la que estrenó, en el Festival Clásicos en Alcalá 2008, El cuerdo loco de Lope de Vega, en versión de Azucena López-Cobo y Carlos Aladro, un espectáculo con el que ha estado de gira nacional y que fue presentado en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en febrero de 2009. Está a punto de estrenar, para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, El condenado por desconfiado de Tirso de Molina, y recientemente ha dirigido en Lisboa a la popular actriz portuguesa Beatriz Batarda en De hombre a hombre, de Manfred Karge, y al Premio Pessoa Luis Miguel Cintra en El constructor Solness, de Henrik Ibsen, para la prestigiosa compañía Teatro da Cornucopia.
Ha colaborado con la compañía Rakatá, dirigiendo Desde Toledo a Madrid, de Tirso de Molina, presentada en el Festival de Almagro en 2006, y como adjunto a la dirección de Lawrence Boswell en El Perro del Hortelano, presentada en el Festival Clásicos en Alcalá de 2007.
Como ayudante de dirección de La Abadía ha trabajado bajo las órdenes de José Luis Gómez en El Rey se muere de E. Ionesco, Francomoribundia, lectura dramatizada sobre la novela de Juan Luis Cebrián; en Memoria de un olvido, Cernuda [1902-1963]; en Defensa de dama, de I. Carmona y J. Hinojosa; en Mesías, de Steven Berkoff y más recientemente en Informe para una Academia, de Kafka. También ha trabajado con Hansgünther Heyme en la dirección de El rey Lear y con el director portugués Luis Miguel Cintra, en Comedia sin título. Con el grupo Animalario ha sido ayudante de Andrés Lima en La Gala de los Goya 2002 y en El fin de los sueños, de Alberto San Juan.
Ha sido, además, Premio a la Mejor Dirección de Escena en el Maratón de Teatro Joven de la C.A.M. 2001 por Huecos, de Julián Quintanilla, con Pos-Pos Teatro. Como actor le hemos podido ver en La Estrella de Sevilla (CNTC) y El rey Lear (Producciones Andrea D’Odorico), dirigidos por Narros; El examen de maridos, de Ruiz de Alarcón, bajo la dirección de Vicente Fuentes; y La vida es sueño (CNTC) dirigido por Ariel García Valdés, entre otras.
Federico Aladro es el director de producción
Licenciado en Ciencias Políticas por la Universidad Complutense de Madrid, realizó el curso de Gestión y Producción de Espectáculos en el Centro de Tecnología del Espectáculo. Se dedica al mundo de la producción y gestión teatral desde el año 1998.
Entre otros trabajos, ha sido responsable de la administración y gestión de la Compañía Teatro de la Danza de Madrid y su escuela desde el año 2000 hasta 2006, donde participó en las siguientes producciones: El Verdugo, Por un sí o por un no, Las bicicletas son para el verano, con dirección de Luis Olmos; La Gaviota, Los días felices, La casa de Bernarda Alba, dirigidas por Amelia Ochandiano; Arte, de Barbotegi, Alejandro Colubi y Josep María Flotats, con dirección de Josép Mª Flotats.
Con Concha Busto ha participado en la producción de Paseando a Miss Daisy dirigida por Luis Olmos. Con Fundiciones Teatrales C2 Don Quijote en la niebla y Johnny cogió su fusil, dirigida por Jesús Cracio. Con Producciones Inconstantes, La vida del revés dirigida por Emilio del Valle.
Se ha responsabilizado de las gerencias en gira de Los días felices y Don Quijote en la Niebla.
Es fundador, junto a su hermano Carlos Aladro, de la compañía madrileña Teatro en Tránsito, con la que han llevado a escena, con gran éxito, la desconocida obra de Lope de Vega El cuerdo loco.
Jose Padilla es el traductor de Otro no tengo
Licenciado en Arte Dramático por la RESAD, comienza su formación en la Escuela Insular de Teatro de Santa Cruz de Tenerife y asiste a distintos seminarios de especialización tanto en dramaturgia como en interpretación, con maestros como Norman Taylor, Marta Schinca o Fabio Mangolini.
Comienza su camino como dramaturgo en la RESAD, donde realiza la traducción y adaptación de Ángeles en América: Perestroika y El Milenio se acerca, de Tony Kushner, para el Taller Final de Carrera 2004 dirigido por Mariano Gracia. Para la compañía Grumelot traduce y adapta Reventado de Sarah Kane y Restos Humanos sin Identificar y la Verdadera naturaleza del Amor, de Brad Fraser. Así mismo, traduce y adapta para el Ciclo Autor del Festival de Escena Contemporánea de Madrid En una nube (Cloud Nine) de Caryl Churchill.
Entre sus textos originales se cuentan Cuando llueve vodka, espectáculo estrenado por Grumelot; El grito vertical, publicado por la Universidad de Valencia y Spam. También ha realizado dramaturgias contemporáneas sobre textos clásicos como Fly with me, (sobre textos de Michel Vinaver, Harold Pinter, Michel Houellebecq, Bertolt Brecht y Eurípides), Fuenteovejuna en llamas, sobre textos de Lope de Vega y R. W. Fassbinder, o su último trabajo, la versión libre de La Gatomaquia, realizada en colaboración con Pedro Víllora y estrenada en el Festival de Teatro Clásico de Almagro 2008.
Como actor ha participado en: La Gatomaquia, de Lope de Vega, con la Compañía La Ensemble, Festival de Teatro Clásico de Almagro (2008); El Licenciado Vidriera, de Miguel de Cervantes, dirigido por Pepe Ortega en la Sala Ítaca (2007), El Coloquio de los Perros, de Miguel de Cervantes, dirigido por Pepe Ortega en la Sala Ítaca; Fuenteovejuna en llamas, de Lope de Vega y Reiner Werner Fassbinder, versión de Jose Padilla, dirigido por Mariano Gracia e Íñigo Rodríguez-Claro, Círculo de Bellas Artes de Madrid; Cloud Nine (En una nube), de Caryl Churchill, dirigido por Goyo Pastor en 2005 dentro del Festival Escena Contemporánea; Cuando llueve vodka, de Jose Padilla, dirigido por Iñigo Rodríguez-Claro para la Compañía Grumelot, y Restos Humanos sin Identificar y la Verdadera Naturaleza del Amor , de Brad Fraser, dirigido por Mariano Gracia.
Almudena López Villalba es la escenógrafa
Arquitecta y doctoranda por la ETS Arquitectura de Madrid, donde actualmente prepara la tesis, ha ampliado sus estudios en el Istituto Universitario di Architettura de Venecia, y ha cursado el Máster en Escenografía y Arquitectura del Espectáculo por la Escuela TAI de Madrid.
En teatro ha realizado escenografías desde 2002, dentro del ámbito de los teatros independientes y estatales. Destacan sus trabajos en montajes como Los cuernos de don Friolera dirigida en el Teatro Español por Ángel Facio, 2008; Fuenteovejuna (año 2009) y El perro del Hortelano (2007), dirigidas por Laurence Boswell para la Compañía Rakatá, como ayudante de Jeremy Herbert; Desde Toledo a Madrid dirigida en 2006 por Carlos Aladro, para Rakatá; Un buen día, con dirección de Mariano de Paco Serrano y La posadera de Goldoni, con dirección de Sergio Macías (2009).
Ha participado en el diseño de platós para Tele5, en montajes de exposiciones, realización de instalaciones y diseños de stands, así como proyectos básicos y de ejecución, obras propias de reforma y rehabilitación de inmuebles, diseño gráfico e ilustración.
Compagina su trabajo en el mundo del diseño con la enseñanza y didáctica, impartiendo clases como profesora titular de técnicas gráficas en la especialidad de Escenografía en la RESAD de Madrid.
Yaiza Pinillos es la figurinista
Diseñadora de vestuario canaria, Yaiza Pinillos, Licenciada Historia del Arte y en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, estudió asimismo “Discipline Delle Arti, Musica e lo Spettacolo (DAMS)” en la Universita di Torino, Italia.
Ha sido la diseñadora de vestuario de obras –en algunas de ellas también del atrezzo y la escenografía- como: Amadís de Gaula, de José Ramón Fernández y dirección Fefa Noia, representada en la BNE; La Pintura a Escena, de José Ramón Fernández, dirigida por Fernando Soto, en el Museo del Prado; Verbum: Museo de las Palabras, de Mª Fernanda Cosín y dirección de Ana Carril; El Capricho. 1808 y Tardes de Capricho, de José Ramón Fernández y dirección de Fernando Soto; Amarte Marte, de Mª Fernanda Cosín, en el Planetario de Madrid; Lugo de Alma Romana, de Mª Fernanda Cosín, dirigida por Ana Carril; Complot, de Olga Pericet, Marcos Flores y Daniel Doña para la Cía. Chanta la Mui, entre otros.
Ha trabajado con Carlos Aladro en El cuerdo loco, como ayudante de Elisa Sanz en vestuario y escenografía.
Pinillos también ha realizado la producción y dirección de arte de diferentes eventos, Premios Azaña del Diario de Alcalá (Corral de Comedias de Alcalá de Henares): Ambientación y vestuario; Inauguración de la ampliación del Museo del Prado. Dirección de Arte: Casting de actores, estilismo de vestuario y peluquería, producción y seguimiento presupuestario, etc.
José Manuel Guerra es el diseñador de iluminación
Canario de nacimiento, José Manuel Guerra tiene una dilatada trayectoria como diseñador de iluminación al lado de los directores más importantes del panorama teatral español. Entre sus creaciones más recientes figuran La paz perpetua, de J. Mayorga y dirección de José Luis Gómez; El caballero de Olmedo, de Lope de Vega, dirigido por José Pascual; la zarzuela El asombro de Damasco, con dirección de Jesús Castejón; y El método Grönholm, de Jordi Galcerán, por Tamzin Townsend.
En La Abadía ha diseñado la iluminación para los espectáculos dirigidos por José Luis Gómez Defensa de dama, de Joaquín Hinojosa e Isabel Carmona; Memoria de un olvido, sobre textos de Cernuda; El rey se muere, de Ionesco e Informe para una Academia. Además, El libertino, de E. Emmanuel Schmitt, con dirección de Joaquín Hinojosa. Con la compañía Teatro de La Plaza, ha creado la iluminación para Ay Carmela, de Sanchis Sinisterra; Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de García Lorca; Lope de Aguirre traidor, de Sanchis Sinisterra; y Azaña, una pasión española, todas ellas bajo la dirección de José Luis Gómez.
Para Esece Producciones: Tristana, de Pérez Galdós; Llega un inspector, de Priestley; Algún día trabajaremos juntas, de Benet i Jornet, las tres dirigidas por Manuel Ángel Egea; y La muerte y la doncella de Ariel Dorfman, con dirección de Omar Grasso.
Con Entrecajas Producciones ha colaborado en Hetairas, escrita y dirigida por Pilar Ruiz; Hiroshima mon amour de Marguerite Duras, dirigida por José Páez; Antígona, de Sófocles, con dirección de Francisco Suárez; Las últimas lunas, dirigida por José Luis García Sánchez; Diez, de J. Carlos Rubio, con dirección de Tamzin Townsend; y El séptimo cielo de Caryl Churchill, dirigida por José Pascual.
Así mismo, ha realizado la iluminación de espectáculos musicales como Querido Néstor, a cargo de Mestisay; El niño judío, zarzuela del maestro Luna, dirigida por Jesús Castejón; y La noche de Sabina, basada en la obra de Ignacio del Moral y dirigida por Quino Falero.
Con Carlos Aladro ha trabajado en Garcilaso, el cortesano y Medida por Medida, ambas producciones del Teatro de La Abadía.
Cecilia H. Molano es la creadora del vídeo
Licenciada en Escenografía y Figurinismo por la RESAD, doctoranda en Bellas Artes (Imagen, tecnología y diseño) por la Universidad Complutense de Madrid, Máster en Escenografía y Vídeo en Saint Martins School of Arts, University of London, Residencia artística en el Instituto Internacional de la Marioneta de Charleville-Mèzierés y en la Hogeenschool vor de Kunsten de Utrech, Cecilia Hernández Molano es, además, diseñadora gráfica y fundadora de la editorial Escrito a lápiz.
Versátil y polifacética, ha expuesto sus trabajos en la Galleria Mad is Mad y en la Galleria Democrazy. Premio Arte Joven 2005, “vídeo de un minuto” Comunidad de Madrid, Premio Jóvenes Creadores 2004 del Teatro Real de Madrid, y finalista del Linbury Prize for Stage Design 2003 del National Theatre de Londres, sus vídeos han sido seleccionados en distintos festivales y cenbtros de arte, desde Óptica, hasta Women´s World 2008, Chaouen, Río de Janeiro, Festival Visible 2006; White Chapell Art Gallery de Londres, Centro de Arte Moderno de Madrid, etc. Ha realizado cortometrajes, vídeos musicales y documentales, y ha participado en exposiciones colectivas de Pintura, además de ser directora de arte de la productora de teatro Stage Entertainment y Directora de Proyectos en Periféricas.
Actualmente profesora de vestuario en Mallorca, y productora y realizadora de proyectos propios de videoarte y video instalación, entre sus trabajos en el mundo del teatro destacan: Diseño de vestuario y dirección artística de la obra Restos, Producciones Inconstantes, Sala Triángulo; escenografía para The little Sweep en el Teatro Real de Madrid, Teatro Arriaga, Ópera de Oviedo y Ópera de Vidi-Lausanne; vestuario y escenografía para Tristán e Isolda, Teatro del Gato, Círculo de Bellas Artes de Madrid; escenografía de Flor de Otoño, CDN; escenografía de La Eterna Canción en el Teatro Español; escenografía y vestuario de El Canto del Cisne, Festival de Otoño; escenografía, vestuario y vídeo proyecciones de John and Jitts, Sala Cuarta Pared; escenografía, vestuario y vídeo proyecciones de I am not here, Back Hill Theatre de Londres; vestuario de Agripina, Festival Teatro Clásico de Mérida; escenografía y vestuario para Los Empeños de una Casa, Teatro Rojas de Toledo; diseño de vestuario para Vivir Como Cerdos. Sala Cuarta Pared; vestuario, escenografía e iluminación para Historia de un Soldado de Stravinski. Teatro Principal de Santiago de Compostela.
Con Carlos Aladro ha trabajado como figurinista para la obra Terrorismo, en el Teatro de La Abadía.
Ángel Galán es el Músico y el diseñador del espacio sonoro
Abulense de 28 años, Ángel Galán es Titulado Superior por el Conservatorio Superior de Música de Salamanca, con la catedrática de piano Miriam Gómez-Morán. Especializado en Acompañamiento Vocal gracias al maestro Javier Sanmiguel, y en Música de Cámara con Alberto Rosado y Kennedy Moretti, ha realizado diferentes cursos de especialización musical, desde el Taller Lírico Master Class de la Universidad Carlos III, pasando por el Curso Internacional de Lied de Juventudes Musicales, hasta el Curso Internacional de Piano de Gijón. Diplomado en Magisterio en la especialidad de Música por la Universidad de Salamanca, posee experiencia docente en todos los niveles educativos.
Como músico de escena ha trabajado para la Compañía Nacional de Teatro Clásico en los siguientes montajes: El Castigo sin venganza de Lope de Vega dirigido por Eduardo Vasco, La Tragicomedia de Don Duardos de Gil Vicente dirigida por Ana Zamora, Los Romances del Cid, versión de Ignacio García May dirigida por Eduardo Vasco.
Seleccionado para formar parte de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, ha realizado también la música en escena de Las Bizarrías de Belisa de Lope de Vega, dirigida por Eduardo Vasco y La Noche de San Juan también de Lope de Vega, dirigida por Helena Pimenta.
Compagina su actividad con recitales, solo o acompañando con voz e instrumento.
Simon Breden es el ayudante de dirección
Licenciado en Filología Inglés y Español por la Universidad de Oxford, Máster en técnicas avanzadas de teatro (Central School of Speech & Drama, Londres), Simon Breden ha estudiado dirección escénica en Moscú (Gitis) y Madrid (RESAD). Ha obtenido distintos galardones en traducción, como el segundo premio por la traducción al inglés de Los vivos y los muertos de I. García May, otorgado por el teatro Gate “Revelations”, Londres, y el segundo premio Marsh Award por la traducción al inglés de Las cartas de Alain.
Igualmente es Presidente de la asociación de teatro de St. Peter’s College y en la actualidad gestiona la gira de Fuenteovejuna para la compañía Rakatá, además de escribir guiones en inglés para montajes escolares de la empresa Recursos Web. También está trabajando en una traducción para el teatro Royal Court de Londres.
De su trayectoria teatral destacan sus trabajos en dirección en obras como:
Velatorio, de Vanessa Montfort, monólogos con sonetos de Shakespeare. Southwark Playhouse, Londres 2008; Palabras sobre la nieve, lecturas de historias cortas para el Inst. Cervantes de Londres. Festival de Bath y Hay-on-Wye Festival, 2007 y 2008; El traductor de Blumemberg de Juan Mayorga y Siglo XX que estás en los cielos de Desola. Dos lecturas para el Instituto Cervantes de Londres, Soho Studio, 2007; Las Meninas de Buero-Vallejo, para el Inst. Cervantes y la National Gallery, con motivo de la exhibición de Velázquez celebrada en Londres, 2006; Los vivos y los muertos de I. García May, Pinter Studio, 2006; Protect Me (Devised).Pieza de creación en grupo en el Young Vic Studio, 2005; Adaptación de la novela La lluvia amarilla, de Julio Llamazares, para el Embassy Studio, 2004, etc.
Además, Simon Breden ha sido ayudante de dirección de Laurence Boswell (Fuenteovejuna, Teatros del Canal, 2009); de Dan Jemmett (El burlador de Sevilla, Teatro de La Abadía, 2008); de Ramin Gray (Himmelweg, de Mayorga, Yoyal Court, 2005); de Hettie Macdonald en Insomnio y media noche, Royal Court; de Thea Sharrock en Tejas Verdes, The Gate Theatre; etc.
Carlota Gaviño es Sara en Otro no tengo
Canaria de 26 años, es licenciada en Arte Dramático por la RESAD. Tras licenciarse, obtiene el Certificado de Adaptación Pedagógica (CAP) de la Universidad de Alcalá de Henares. Su labor docente se ha visto reflejada en las clases de Verso y Expresión Oral que impartió en 2007 en la Escuela Municipal de Zaragoza. Actualmente cursa el Doctorado en Teoría e Historia del Teatro de la Universidad Complutense de Madrid.
Carlota Gaviño ha completado su formación teatral en el Taller de formación actoral 2007 del Teatro de La Abadía, impartido por Vicente Fuentes, Carlos Aladro, Mar Navarro, Ernesto Arias y Hernán Gené, así como en el Internacional Workshop in Actor´s Technique, de la Michael Chejov Assotiation (MICHA) en Amherst, Massachusetts (Estados Unidos). También ha recibido talleres de Mariano Barroso, José Carlos Plaza y Helena Pimenta, entre otros.
Entre sus trabajos teatrales destacan sus papeles en La dama del mar (2008) de Henrik Ibsen, dirigido por Robert Wilson en el Matadero del Español; Fuenteovejuna en llamas, de Lope de Vega y Reiner Werner Fassbinder, en versión de Jose Padilla y dirigido por Mariano Gracia e Íñigo Rodríguez-Claro en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (2007); Divinas palabras de Ramón María del Valle-Inclán, dirigido por Gerardo Vera en el Centro Dramático Nacional (2006); Cara de plata de Ramón María del Valle-Inclán, dirigido por Ramón Simó en el CDN (2005); Cuando llueve vodka de Jose Padilla, dirigido por Iñigo Rodríguez-Claro en la Sala Ítaca de Madrid en 2005, por la Compañía Grumelot; y Paisaje con Argonautas- Medea Material- Ribera Despojada de Heiner Müller, dirigido por Vicente León en el Teatro de la Esquirla (2004).
En cine ha participado en los cortos El Hoyo (2005), de Carlos Ceacero Ruiz, y en Watashiwa, cortometraje de Ruger Lapuente (2003).
En televisión ha intervenido en la serie “La tira” (2008), de GLOBOMEDIA, para La Sexta.
Javier Lara es Jam en Otro no tengo
Nacido en Barcelona en 1979, es Licenciado en Arte Dramático por la RESAD.
Ha ampliado su formación en España y Estados Unidos con Rosario Ruiz-Rodgers, José Carlos Plaza, Mariano Barroso, Vicente Fuentes, Marcel Marceau, Fabio Mangolini, Bernard Hiller, Lenard Petit y Joanna Merling, entre otros.
De sus papeles en el teatro destacan: La noche de San Juan, de Lope de Vega, dirigido por Helena Pimenta en 2008 con la Joven CNTC; Las bizarrías de Belisa, de Lope de Vega, dirigido por Eduardo Vasco en 2007 con la Joven CNTC; Un enemigo del Pueblo, de Henrik Ibsen, dirigido por Gerardo Vera en el CDN; Divinas Palabras, de Ramón María del Valle-Inclán, dirigido por Gerardo Vera para el CDN (2006); Cloud Nine (En una nube), de Caryl Churchill, dirigido por Goyo Pastor para el Festival Escena Contemporánea 2005; Cuando llueve vodka, de José Padilla, dirigido por Íñigo Rodríguez para la Compañía Grumelot 03; Paisaje con Argonautas- Medea material- Ribera despojada, de Heiner Müller, dirigido por Vicente León en 2004 para la Compañía La Esquirla.
En cine ha trabajado en las películas Alatriste, de Agustín Díaz Yanes; Camarón, de Jaime Chavarri; Matar al ángel, de Daniel Mújica; y en el corto Retrato, realizado por T.A.I. y producido por Caja Segovia.
En televisión ha trabajado en series como “Cuestión de Sexo” para CUATRO, “Amar en tiempos revueltos”, “Ana y los siete” y “Cuéntame” para TVE, entre otras.
Javier Lara ha impartido, además, cursos de Interpretación y Expresión Oral en la Universidad de Jaén.
Íñigo Rodríguez-Claro es Grit en Otro no tengo
Nacido en San Sebastián hace 28 años, Iñigo Rodríguez-Claro inició su formación en la Escuela Superior de Artes y Espectáculos TAI de Madrid. Tras licenciarse en Arte Dramático por la RESAD, obtuvo el CAP en Didáctica del Arte Dramático por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente cursa estudios de Doctorado en Ciencias del Espectáculo en la Universidad Carlos III de Madrid.
Ha realizado talleres de técnica actoral con Marta Carrasco, Elena Arnao, Vicente Fuentes, Carlos Aladro, Helena Pimenta, con el ayudante de dirección de Declan Donnellan, Owen Horsley, y con Mariano Gracia entre otros.
De sus intervenciones teatrales caben destacar: La noche de San Juan, de Lope de Vega, dirigido por Helena Pimenta en 2008 con la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC); Las bizarrías de Belisa, de Lope de Vega, dirigido por Eduardo Vasco en 2007 con la Joven CNTC; Belice, de David Olguín, 2006, con dirección de Lidio Sanchez Caro en el Teatro Lagrada; El coloquio de los perros y el casamiento engañoso, de Miguel de Cervantes, dirigido en 2005 por Pepe Ortega para la Compañía Soloycía; Cloud Nine (En una nube), de Caryl Churchill, dirigido por Goyo Pastor dentro del Festival Escena Contemporánea 2005; Cuando llueve vodka, de José Padilla, dirigido por él mismo con la Compañía Grumelot 03; Reventado, de Sarah Kane, dirigido por Ramón Serrada Yagüe en 2004 con la Compañía Grumelot 03 y representado en el Teatro Lagrada.
Como director ha estrenado en el marco del Festival de Teatro Joven de la Comunidad de Madrid los espectáculos teatrales Nadie en ninguna parte (1999) y Tierra y Mar (2000). Así como Cuando llueve vodka (2005), de José Padilla, seleccionada por el CICLO NUEVOS DIRECTORES de la Sala Ítaca. Junto a Mariano Gracia, ha codirigido los Talleres de Interpretación de la RESAD Fly with me de José Padilla (2007), Fuenteovejuna en llamas de Reiner Werner Fassbinder y Lope de Vega y El Bosque de los Locos de Caryl Churchill (2008).
En cine ha participado en los cortos Director de Casting, de Jaime Palomo Cousido, cortometraje finalista del Certamen Notodofilmest.com; Gatitos, de Jaime Palomo Cousido; La Guerra Cívica, de Jorge López Puig; Mala vida, de Imanol Pinelo, y en la película El ladrón de ojos, largometraje de Javier de la Torre.
En la pequeña pantalla le hemos podido ver en las series “El Comisario” para TELECINCO y “Cuéntame” para TVE.
Ha impartido cursos de preparación para las pruebas de ingreso de la RESAD y de interpretación ante la cámara con TALLERES COLOMBINA, organizados por la Librería LA AVISPA; hadado clases de Interpretación y Dirección de Actores en el IORTV, en la Universidad de Ciencias de la Información (Universidad Complutense) y en el CEU.
Producción y Distribución:
Federico Aladro 610.761.686
Comunicación y Prensa:
Alexis Fernández 606.551.487
Otro no tengo (Have I None) fue estrenada por Teatro en Tránsito el 5 de diciembre a las 20h. en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
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